Fin DAC s’apprête à dévoiler sa dernière exposition, présentant des portraits moitié-moitié mêlant son style unique à l’esthétique emblématique d’artistes influents comme Yayoi Kusama, Pablo Picasso et Jean-Michel Basquiat.
David Bowie a dit un jour : « Le seul art que j’étudierai est celui que je peux voler. »
C’est une boutade effrontée, mais elle contient une part de vérité : tout art emprunte, se plie et se mélange. Et personne ne possède mieux cette notion à l’heure actuelle que Fin DAC.
Alors que de nombreux créatifs tentent de se faufiler dans leurs influences et espèrent que personne ne le remarquera, l’artiste né à Cork et basé à Londres les met au premier plan dans son dernier projet, AccueilEage.
La série présente des « portraits moitié-moitié » saisissants, fusionnant son esthétique caractéristique avec celle des légendes qui l’ont façonné, comme Pablo Picasso, Andy Warhol, Frida Kahlo et l’artiste des Sex Pistols Jamie Reid.
« L’œuvre est divisée en deux, la seconde moitié étant repeinte dans le style d’un autre artiste. Elle ressemble à deux versions ou personnalités différentes du même personnage », a expliqué DAC depuis son studio du Mile End, à Londres.
Il a ajouté : « Avec ce projet, il n’y a pas de quoi se cacher, tout est là. Il est destiné à célébrer ces influences et ces artistes. »
Réputé pour ses peintures murales extérieures plus grandes que nature que l’on retrouve partout dans le monde, AccueilEage marque la première exposition personnelle de DAC depuis 2021 et se tiendra à la galerie de la crypte St Martins Lane de Londres les 25 et 26 octobre.
Le projet est également disponible sous forme de livre sur le site Web de West Contemporary Editions.
L’Observatoire de l’Europe Culture s’est entretenu avec DAC avant le dévoilement de l’exposition pour discuter de tout, de son parcours pour devenir artiste à plein temps à 40 ans, de l’impact de l’IA dans le monde de l’art et de son processus créatif pour créer de gigantesques peintures murales.
L’Observatoire de l’Europe Culture : Comment êtes-vous devenue artiste à plein temps ?
Fin DAC : Ma carrière d’artiste a commencé très tard, vers la quarantaine. Je venais de sortir d’une relation assez stressante et je souhaitais essentiellement quelque chose qui me change les idées de ce que je vivais à l’époque. J’avais l’habitude de dessiner quand j’étais enfant et je me souviens d’être seul dans ma chambre, complètement content de faire ça.
Alors je me suis dit : d’accord, si je commence à dessiner et à peindre, cela pourrait me donner ce genre de méditation ou de thérapie. Et c’est vrai : cela réduit complètement le monde au silence. La peinture semblait être une voie facile à emprunter. Même si je ne devenais pas artiste à plein temps, cela n’avait pas d’importance. À l’époque, j’étais satisfait de mon travail de concepteur et de développeur Web. Mais une fois que je me suis vraiment lancé dans la peinture, ça a vite fait boule de neige ; Je suis devenu artiste à plein temps en 2 ou 3 ans.
Parlez-nous en plus de votre dernier projet ‘HomeEage’.
Il s’agit essentiellement de personnalités divisées. L’œuvre est divisée en deux, la seconde moitié étant repeinte dans le style d’un autre artiste. Cela ressemble à deux versions ou personnalités différentes du même personnage.
Cela a commencé comme un projet intérimaire en 2020, lors du premier confinement pandémique en Californie. Être loin de chez moi et ne pas voir ma famille m’a fait beaucoup penser à mon foyer. Les quatre premières pièces que j’ai créées étaient axées sur des artistes qui m’ont inspiré et étaient mes préférés.
Une fois cela fait, j’ai trouvé le processus si intéressant que j’ai continué au cours des dernières années. Le deuxième groupe de quatre s’est concentré spécifiquement sur les artistes new-yorkais des années 1980, comme Warhol, Basquiat et Haring – tout le monde connaît leurs noms, même si vous n’êtes pas amateur d’art. J’ai continué à ajouter de plus en plus de noms à la liste.
De nombreux artistes prétendent avoir tout inventé eux-mêmes, mais plus personne ne le fait. Tout le monde tire son influence de quelque part ; il s’agit simplement de savoir dans quelle mesure vous pouvez cacher d’où viennent ces influences. Avec ce projet, il n’y a pas de quoi se cacher : tout est visible. Il s’agit de célébrer ces influences et ces artistes.
Je voulais voir si je pouvais incorporer nos deux styles d’une manière magique. Je ne suis pas sûr d’avoir réussi, mais je me suis donné l’opportunité d’apprendre.
Le spectacle est présenté dans une crypte souterraine. Quelle est la signification de cela ?
Cette décision a été prise par West Contemporary, qui accueille l’exposition. Nous voulions trouver un lieu ancien avec une histoire car il s’agit par essence d’un projet d’histoire de l’art. Notre objectif était de trouver un lieu qui alimente le concept d’histoire et l’idée que cet ancien bâtiment est maintenant réutilisé pour quelque chose de complètement différent de son objectif initial. Il s’agit d’incarner un autre personnage, ce qui est essentiellement ce que je fais avec les œuvres d’art : créer un autre personnage.
Qu’espérez-vous que le public retienne de cette exposition ?
Honnêtement, je ne sais pas. Nous faisons vraiment l’exposition juste pour que les gens puissent voir les œuvres. La façon dont j’ai mené ma carrière serait considérée comme en contradiction avec la façon dont la plupart des artistes abordent la leur. Je ne suis pas particulièrement intéressé par les expositions ou la représentation en galerie. Je m’en fiche d’être exposé à Bâle ou à la Frieze Art Fair ; ce n’est tout simplement pas sur ma liste de priorités. Si cela se produit, tant mieux, mais essentiellement tout ce que je fais dépend de la façon dont je veux le faire, et j’espère que les gens suivront le voyage.
Vous êtes réputé pour vos peintures murales à grande échelle. Comment s’est-il concentré sur les toiles et le papier à plus petite échelle ?
Honnêtement, les plus gros morceaux sont plus faciles. Lorsque je peins une œuvre pour une galerie, je sais que quelqu’un va s’en approcher de très près, je dois donc être beaucoup plus perfectionniste qu’une fresque murale. Généralement, avec un mur, les gens ne regardent pas les détails ; ils sont impressionnés par tout cela. Ils prendront une photo, la publieront sur Instagram, et cela leur suffira. Une fois surmonté l’aspect technique de la mise à l’échelle de l’image, que les street artistes maîtrisent au fil des années, je trouve cela plus facile et beaucoup plus agréable.
Comment décririez-vous votre style et l’esthétique de votre travail ?
J’appelle cela « l’esthétique urbaine », ce qui est plutôt une étiquette. Ce terme provient d’un groupe de créatifs du début du XXe siècle qui pensaient que l’art et le design devaient se concentrer uniquement sur la beauté plutôt que sur les commentaires sociopolitiques. Quand j’ai commencé à peindre, la plupart des œuvres environnantes avaient un style à la Banksy – commentaires socio-politiques, blagues politiques, etc. Je ne voulais pas que mon travail soit ainsi. Lorsque j’ai découvert le mouvement esthétique, leur devise m’a interpellé parce que je veux que mon art se concentre sur le portrait et la beauté, représentant les femmes telles qu’elles auraient pu être représentées tout au long de l’histoire de l’art.
Le masque est un thème récurrent dans votre travail. Quelle est sa signification ?
Je ne peux pas vous le dire. Ou je devrais te tuer…
Non, il n’y a que deux personnes au monde qui connaissent la véritable signification du masque. Sa forme est liée aux thèmes des super-héros et aux identités cachées, mais les éléments du masque ont des significations spécifiques que je ne révèle pas. Tout art doit être ouvert à l’interprétation. S’il y a un mystère et que vous ne parvenez pas à trouver la réponse, cela reste intrigant. Une fois la réponse révélée, on perd tout intérêt et les gens passent à autre chose.
Comment réalisez-vous réellement ces peintures murales massives ? Pourriez-vous m’accompagner tout au long du processus, de l’idée à l’exécution finale ?
J’aime travailler dans des environnements où je peux adapter le bâtiment à l’art ou vice versa, en utilisant des éléments architecturaux pour éclairer ma conception. Cependant, ces projets sont assez difficiles à trouver. En termes de conception, je préfère ne pas planifier avant d’arriver sur place car je veux que l’environnement et la lumière influencent ce que je crée.
En termes d’exécution, différents artistes ont leurs méthodes, mais j’utilise une technique appelée méthode du gribouillis. Je l’ai appris d’un artiste australien nommé RONE, qui a suggéré que cela m’aiderait vraiment à améliorer mon travail. La méthode des gribouillis consiste à peindre des lignes aléatoires, des visages souriants, des lettres et des chiffres sur tout le mur, puis à prendre une photo. J’importe cette image dans Photoshop ou une autre application et je superpose l’image que je veux peindre, en utilisant ces lignes chaotiques comme une sorte de grille déformée pour déterminer où, dans mon cas, ira le portrait. Lorsque vous travaillez sur un mur de 200 pieds de haut, vous ne pouvez pas garantir que vos lignes resteront parallèles ou horizontales. En utilisant la grille ondulée, je peux référencer des éléments comme un nez, connaissant sa relation avec les éléments proches.
Par exemple, je peux identifier où va la narine car elle s’aligne sur une marque spécifique. Si j’avais une grille traditionnelle, le nez entier pourrait tenir dans un carré, mais je n’aurais rien pour relier les narines à des éléments plus petits. Cette méthode est astucieuse et fonctionne parfaitement à chaque fois.
Quelle est la plus grande fresque murale que vous ayez réalisée à ce jour ?
Je pense que le plus grand était un portrait de Frida Kahlo que j’ai peint à Guadalajara, probablement en 2018 ou 2019. Il mesure environ 200 pieds de haut. Ce que j’aime, c’est que lorsque vous photographiez le mur et découpez l’arrière-plan – comme les bâtiments et la ligne d’horizon – on dirait qu’il pourrait s’agir d’une pièce sur toile.
Qu’est-ce qui vous motive à créer des peintures murales extérieures à si grande échelle ?
La notion de grande échelle est secondaire. Quand j’ai commencé, je peignais de petites pièces à Londres ; il s’agit de présenter votre travail différemment que dans une galerie. Beaucoup de gens se sentent mal à l’aise dans les galeries et les musées, pensant souvent qu’ils doivent acheter quelque chose s’ils y vont. Lorsque vous présentez de l’art publiquement, vous êtes ouvert aux réactions du public, qui peuvent être bonnes ou mauvaises. Il faut accepter cela.
J’aime être en public. J’ai passé une grande partie des quatre dernières années à travailler en studio et, même si la peinture ne me manque pas, les voyages me manquent définitivement. Peindre des peintures murales m’a permis de voyager en Nouvelle-Zélande, en Australie, aux États-Unis et au Japon, des endroits où culturellement vous allez trouver quelque chose de différent, aussi extrême que soit cette différence. Vous allez également rencontrer des gens qui ont des sensibilités différentes de vous, car chaque personne qui grandit dans un pays a, d’une manière ou d’une autre, sa personnalité transformée ou façonnée par le pays dans lequel elle vit. Ce qui semble normal en Angleterre n’est peut-être pas le même en Angleterre. Amérique.
Avec le street art, chaque artiste a la même opportunité de présenter son travail. Pour beaucoup, il s’agit simplement de surmonter la peur de mettre leur art au mur et le potentiel de réactions négatives.
Que pensez-vous de l’émergence de l’IA dans le monde de l’art ?
Pour moi, l’IA n’est qu’un outil. Certaines personnes l’accepteront, d’autres non. Certains prétendent que c’est la fin du monde pour l’art, d’autres non. Dans l’industrie cinématographique, on a dit que les effets spéciaux la ruineraient, mais regardez les films les plus rentables depuis leur introduction. Je pense que nous devons nous préoccuper de problèmes plus importants en termes d’IA, comme la guerre et les impacts mondiaux. Je ne suis ni pour ni contre l’IA ; et je ne me soucie pas de son effet sur mon travail.
J’ai une marque spécifique, et même si l’on pourrait supposer qu’elle pourrait être facilement reproduite, je ne suis pas inquiet. En tant qu’artiste, si vous n’évoluez pas, vous serez inévitablement confronté à des imitateurs, qu’ils utilisent ou non l’IA. C’est juste la nature de l’art.
De quoi êtes-vous le plus fier dans votre carrière jusqu’à présent ?
Je l’ai déjà dit – mais en tant qu’artiste. Je n’ai commencé qu’à 40 ans car je me suis convaincu que je n’avais rien à dire ni à proposer. Vous savez, quand vous grandissez et que vous dites aux gens que vous voulez être artiste, la majorité dira que vous devez trouver un vrai travail.
Mais quoi de plus réel que de faire quelque chose que l’on aime ? Non seulement pour gagner de l’argent, mais aussi pour avoir un impact positif sur les gens, espérons-le. J’ai dû surmonter beaucoup de négativité mentale. Je m’étais persuadé que je ne pouvais pas être un artiste. La raison pour laquelle je suis devenu un tel, c’est que j’étais dans une situation si basse dans ma vie que plus aucun des bavardages négatifs dans ma tête n’avait d’importance.
Je voulais peindre juste pour avoir une certaine forme de calme dans ma vie. Et ça a marché !
AccueilEageorganisée par West Contemporary Art, se tiendra à la galerie crypte St Martins Lane de Londres les 25 et 26 octobre.
