Un portrait terriblement sombre mais fascinant de la dépression féminine dans l’Autriche du XVIIIe siècle et des péchés du dogme religieux qui persistent encore aujourd’hui.
Cinq minutes après le duo de réalisateurs autrichiens Veronica Franz et Severin Fiala (Bonne nuit maman, Le chalet) troisième fonctionnalité de Des Teufels Bad (Le bain du diable), vous savez que cette pièce d’époque ne sera pas une montre facile. Et pour une bonne raison.
Haute-Autriche. 1750. Un prologue extrêmement sombre voit une mère traverser les bois et se diriger vers une cascade. Là, sans sourciller, elle jette du haut du rebord son bébé qui hurle. Elle se dirige ensuite vers l’église, frappe à la porte et se rend aux autorités.
« J’ai commis un crime. »
Elle est exécutée. Plus précisément, elle est décapitée, les doigts et les orteils étant coupés.
Nous rencontrons ensuite Agnès (Anja Plaschg) le jour de son mariage. Elle reçoit l’un des doigts de la femme comme charme de fertilité après son mariage avec Wolf (David Scheid), un homme d’une autre communauté. Elle prie pour un enfant, mais Wolf ne semble pas intéressé à consumer leur union, encore moins à la toucher. Il semble plus admiratif envers son ami agriculteur Lenz, et sa mère (Maria Hofstätter) occupe une place importante, contrôlant tous les aspects de la vie d’Agnès.
Devenant peu à peu plus déprimée et négligeant ses devoirs d’épouse, elle est emmenée chez le « coiffeur » local pour la guérir du « bain du diable » – le terme du XVIIIe siècle pour désigner la mélancolie. Il devient évident que rien ne peut la guérir, car elle n’a qu’une seule chose en tête : échapper à la vie émotionnellement froide qu’elle ne souhaite plus vivre. Cependant, adhérant au strict dogme chrétien, la profondément pieuse Agnès sait qu’elle ne peut pas se suicider et accéder au royaume des cieux. Le suicide est un péché capital et elle doit trouver une faille dogmatique qui la mènera à un acte radical qui pourrait la libérer de son sort.
Basé sur des recherches approfondies dans les archives judiciaires historiques, Le bain du diable voit Franz et Fiala jeter une lumière troublante sur un chapitre jusqu’alors inexploré de l’histoire européenne, qui a vu des centaines de personnes – pour la plupart des femmes – se « guérir » de leur dépression en se conduisant elles-mêmes au meurtre. Leur péché leur a permis de se repentir et de demander l’absolution en confession avant leur exécution, ce que la damnation éternelle par suicide interdisait. Quant à ceux qui ne l’ont pas fait, une vie de solitude, de désespoir et de servitude était la seule alternative.
En créant ce portrait psychologique profondément immersif et troublant, les réalisateurs emploient une partie du langage cinématographique de l’horreur. Contrairement à Bonne nuit maman ou Le chaletcependant, Le bain du diable défie toute catégorisation facile. Cela ressemble à un drame religieux lent dont le rythme reflète la mélancolie du personnage principal et qui donne la parole à des femmes invisibles que l’histoire a oubliées. Même si la doctrine ecclésiastique reste bien vivante à ce jour, ajoutant une résonance opportune à un film qui fait écho à la stigmatisation encore persistante entourant la dépression et le suicide.
Il existe des comparaisons incontournables avec celle de Robert Eggers. La sorcière – principalement en raison de la précision de l’époque méticuleusement conçue, de la façon dont le directeur de la photographie Martin Gschlacht utilise la lumière naturelle pour transmettre davantage une authenticité sombre, et du côté féministe qui montre des femmes récupérant un sentiment d’action et aspirant à l’émancipation alors que l’époque dans laquelle elles vivaient n’en offrait pas. Cependant, Le bain du diable brille par ses propres mérites par sa riche utilisation du symbolisme, le recours choquant à la violence et certains tableaux saisissants.
Qu’il s’agisse de l’exposition totémique de la femme décapitée du prologue ou des carcasses d’animaux pendus, qui rappellent toutes deux les peintures de Francis Bacon, ou encore de la dualité de la nature à la fois catalyseur d’espoir (papillons) et présage maussade (têtes de poisson ressemblant à des têtes de poisson). masques mortuaires), ce film jette un sort visuellement envoûtant qui ne ressemble à aucun autre. Il faut féliciter les décorateurs Andreas Donhauser et Renate Martin, qui capturent de manière non négligeable la dure beauté des paysages picturaux et contribuent à des scènes qui s’enfouissent sous votre peau et y restent logées longtemps après le générique.
Au centre de l’attraction envoûtante du film se trouve Plaschg, qui est à couper le souffle tout au long – en particulier dans une scène du troisième acte qui voit ses plans se concrétiser tragiquement. La préparation d’une scène de confession saisissante vers la fin est magistrale, et l’actrice – qui n’a qu’une poignée de crédits d’acteur à son actif – fait quelque chose que peu d’interprètes chevronnés pourraient réussir : permettre à l’intériorité de son personnage de se déchaîner dans le l’espace de quelques secondes, se libérant d’une prison invisible et mettant à nu une angoisse paralysante à la fois maniaque et profondément horrifiante. C’est une performance exceptionnelle, qui mérite largement le prix d’interprétation principal de la Berlinale.
En plus de jouer ce rôle exigeant et les couches de désespoir qu’elle parvient à porter à l’écran, Plaschg – mieux connue sous le nom d’artiste musical Soap&Skin – a composé la partition inquiétante et lugubre.
Encore une fois, si elle ne s’enfuit pas avec des applaudissements d’acteur, les chapeaux seront mangés.
Rares sont les films comme Le bain du diable qui insufflent une sensation si enveloppante du temps et du lieu, tout en mélangeant les genres à la perfection. C’est une critique effrayante du dogme religieux ; une fouille maussade et déchirante des sans-voix du passé ; une exploration métaphysique captivante des cages qui ont traversé le temps pour persister dans la société actuelle.
Cela semble beaucoup ?
C’est. Mais ce n’est pas une excuse pour laisser passer ce sombre chef-d’œuvre.
