Nous avons rencontré le sculpteur anglo-indien Anish Kapoor pour l’ouverture de sa nouvelle grande exposition au Palazzo Strozzi à Florence.
Anish Kapoor, artiste lauréat du prix Turner et génie créatif derrière certaines des sculptures les plus emblématiques du monde, notamment celle de Chicago Porte Nuage la sculpture et Londres ArcelorMittal Orbitea laissé son empreinte créative à travers le monde.
Mais derrière l’éclat parfaitement poli de ses sculptures en miroir désorientantes et la controverse de ses œuvres Vantablack se cache une mission implacable visant à briser notre compréhension de la réalité.
Récemment, L’Observatoire de l’Europe Culture a rencontré Kapoor avant l’ouverture de sa nouvelle exposition au Palazzo Strozzi pour percer une partie du mystère qui entoure à la fois l’artiste et son œuvre.
Il a parlé franchement de sa propriété controversée du « matériau le plus noir de l’univers », de ses réflexions sur l’intelligence artificielle et de la manière dont il conceptualise une nouvelle installation.
Culture L’Observatoire de l’Europe : Votre art incite souvent les spectateurs à rechercher la vérité au-delà des apparences. Pouvez-vous partager vos réflexions sur le rôle de l’art pour nous aider à naviguer dans les complexités de notre monde moderne ?
Anish Kapoor : Bien entendu, le monde moderne est extrêmement déroutant pour nous tous, surtout aujourd’hui. Et il me semble que nous nous trouvons dans une situation difficile, politiquement et autrement. L’art ne peut pas être linéaire. La grande poésie ne tombe pas seulement dans le sens. Il s’agit de Paul Valéry, un grand poète français – la poésie qui tombe dans le sens cesse d’être de la poésie ou devient de la mauvaise poésie.
L’art doit vivre, si l’on veut, dans ce demi-espace intermédiaire, liminal, entre sens et non-sens, tout comme nous. Et c’est seulement alors qu’il pourra véritablement avoir une vie longue et profonde.
Nous vivons dans un monde où il existe des milliers d’objets. Chacun d’entre eux est fabriqué. Chacun. C’est seulement dans l’art et dans le cosmos qu’il y a quelques choses, quelques choses auxquelles nous disons : « Qu’est-ce que c’est ? Est-ce que c’est de l’art ? Pourquoi est-ce de l’art ? Je n’y fais pas confiance ! Non, ce n’est pas de l’art. Nous vivons dans cette sorte de rapport étrange à la nommabilité, à l’intelligibilité. Je pense que cela donne une grande richesse à la vie.
Pouvez-vous partager quelques idées sur votre processus créatif lorsque vous conceptualisez et donnez vie à une nouvelle installation de sculpture ? Comment décidez-vous de l’échelle, des matériaux et de la forme ?
Je crois sincèrement et fermement que je n’ai rien à dire en tant qu’artiste ou en tant qu’être humain. Je parle trop. Mais bien sûr, j’ai une pratique – une pratique qui signifie que je vais au studio tous les jours et que je m’engage dans l’activité de tout ce qui se passe, de tout ce que je pense être juste de continuer.
Cela conduit à de petits moments, de temps en temps, de « Oh, vraiment, est-ce que ça pourrait être comme ça ? Oh, je ne savais pas que cela pouvait arriver », ou quoi que ce soit. Et j’essaie de suivre ces moments. Je suppose que mon vrai travail est de suivre ce qui ressort d’un jeu peut-être même idiot.
Bien sûr, lorsqu’il s’agit de réaliser une exposition, c’est autre chose. Il s’agira principalement d’œuvres qui sont restées en studio depuis un certain temps. Je n’aime pas montrer des choses qui ont été faites hier. J’aime montrer des choses après les avoir regardées pendant six mois et avoir vérifié si elles sont bonnes ou non, si elles résistent au regard et si elles recèlent ce mystère fondamental de la question. Est-ce connaissable ou est-ce encore inconnaissable ? Et c’est bien sûr l’inconnaissable qui m’intéresse.
Mais bien sûr, réaliser une exposition concerne également la relation à l’espace et ce qu’il fait à votre corps lorsque vous le parcourez. Quelle est la taille de l’objet, etc. ? Cela en fait donc partie. Il s’agit d’un processus beaucoup plus pratique, à la fois complexe et révélateur, si vous préférez.
Certaines des œuvres d’art de cette exposition intègrent l’utilisation du Vantablack, qui a été décrit comme une fusion de l’art et de la science, mais qui a également soulevé des questions sur la propriété artistique et les droits de propriété dans le monde de l’art. Pouvez-vous partager votre point de vue sur ces questions et comment, selon vous, le monde de l’art peut trouver un équilibre entre la protection de l’innovation et la promotion de l’inclusivité ?
C’est compliqué. Cette matière noire, la matière la plus noire de l’univers, n’est pas une peinture. Ce n’est donc pas seulement une chose sur laquelle vous peignez. C’est un processus physique très technique et complexe, un processus physique difficile.
Cela fait maintenant près de dix ans que je travaille avec et en dix ans je n’ai réalisé que quelques objets. Il a presque été nécessaire à cause de ce processus compliqué, pour l’entreprise qui le fait, pour moi, pour nous deux, de nous y engager dans un processus très particulier. Donc, s’il y a un idiot qui essaie d’en faire toute une histoire, eh bien, ce n’est pas comme il le prétend. Quoi qu’il en soit, je m’en fiche.
D’une certaine manière, toutes sortes de processus sont, si vous voulez, partout dans le monde, dans toutes sortes de choses, destinés à un usage très spécifique et ont donc une paternité, une propriété ou peu importe comment vous voulez l’appeler. Je veux dire, honnêtement, ce n’est pas un problème en ce qui me concerne.
Alors laissez-moi vous parler de ce noir. Le noir, bien sûr, est, comme je l’ai dit, la matière la plus noire de l’univers. Plus noir qu’un trou noir. Si vous mettez cette matière noire sur un objet, l’objet disparaît. Donc, si nous parlons du fait que tous les objets sont tridimensionnels, mon argument est que de cette façon, ils vont au-delà de la trois dimensions et deviennent, dans un certain sens, quadridimensionnels. Ils vont dans un autre espace. Fiction et réalité, cela fait partie, si vous voulez, de l’histoire poétique.
Selon vous, l’intelligence artificielle renforce-t-elle ou étouffe-t-elle la créativité dans l’art ?
Compliqué. Disons que depuis le modernisme, depuis 100 ans, 150 ans, les actes créateurs, culturellement, artistiquement, ont été attribués à l’individu. C’est la réflexion de l’individu sur son propre être intérieur et sur le monde qui l’entoure qui est la question clé.
Il me semble que l’IA se rapproche dangereusement d’un autre outil capitaliste d’éclipse de l’individu. Et d’après ce que je dis, vous pouvez entendre que je ne suis pas entièrement d’accord avec cela. Certains prétendent que cela rend le système plus démocratique. Je ne vois pas comment.
Prenez les inventions de Picasso, qui viennent de son moi profond, puis prenez-les et placez-les ailleurs, comme si elles appartenaient à cette technologie. Eh bien, non.
Il y a donc une chose très confuse que nous n’avons pas encore résolue, à propos de la paternité. C’est donc compliqué. Existe-t-il un moyen pour l’IA d’inventer quelque chose de nouveau ? Je veux dire, nous faisons tous ça tout le temps – prenez un peu de là, un peu de là, rassemblez-le et dites que c’est moi ! Puisque nous parlons de Picasso, il a dit de voler mais de le faire mieux que quiconque.
L’IA, si elle est suffisamment sophistiquée, pourrait peut-être le faire, mais je n’en vois pas encore de signe.
Comment pensez-vous que les artistes peuvent continuer à tirer parti du physique pour créer des liens significatifs avec le public dans un monde de plus en plus virtuel ? Comment voyez-vous évoluer cette idée de la physicalité dans l’art ?
Je suis probablement terriblement démodé et je ne suis pas la bonne personne à qui poser la question. Quoi qu’il en soit, c’est intéressant, n’est-ce pas, que le monde virtuel puisse donner l’impression d’être physique. L’écran donne le sentiment que d’une manière ou d’une autre, on est engagé. Mais la vérité est que tu n’es pas engagé car cela n’occupe que cette partie de ton corps (Kapoor montre sa tête).
Une grande œuvre de sculpture, même si vous la voyez avec vos yeux, je pense que vous la ressentez dans votre ventre, et elle est ailleurs en vous. Il y a une œuvre dans cette exposition que j’appelle Mémoire de la langue, ce qui signifie qu’il y a des choses sur tout votre corps qui ont réellement un effet physique. C’est comme faire l’amour avec l’écran : c’est impossible. Ce n’est pas la même chose que toucher quelqu’un ou être touché. C’est une toute autre chose. Il y a donc au moins encore du chemin à parcourir.
Parlez-moi de votre nouvelle exposition au Palazzo Strozzi historique de Florence – quelles idées espérez-vous transmettre ?
Eh bien, ça s’appelle « Untrue Unreal ». Et bien sûr, tout est question de réalités contingentes. Une grande partie de cette exposition contient des objets dits vides, des objets vides. Mais en réalité, aucun d’entre eux n’est vide. Ils sont tous soit pleins d’obscurité, soit pleins de miroirs.
