La race, l’identité sexuelle, l’homosexualité et le genre ne sont que quelques-uns des thèmes explorés par Christina Quarles dans son exposition spécialement commandée sur l’île espagnole de Minorque. Elise Morton a visité l’exposition pour discuter avec l’artiste étoile montante américaine de ses idées et de ses inspirations.
L’artiste Christina Quarles, basée à Los Angeles, est célèbre pour son art figuratif intrigant, qui confronte les thèmes de l’identité, de l’incarnation et de la représentation.
Informé en partie par son identification en tant que femme queer, cisgenre et multiraciale, le travail de Quarles remet en question les hypothèses et médite sur la multiplicité et les contradictions qui composent le sentiment de soi. Cette complexité se reflète dans son processus créatif : mélange de techniques traditionnelles, d’inspiration TikTok et d’utilisation d’Adobe Illustrator pour construire ses compositions.
Suite à sa participation à la Biennale de Venise de l’année dernière, les corps déformés de Quarles – rendus à la fois dans des couleurs peintes brillantes et des dessins au trait – occupent le devant de la scène cet été lors de la première exposition de l’artiste en Espagne, organisée chez Hauser & Wirth sur le site historique de Minorque (sans parler de l’idyllique ) Île du Roi.
Au milieu de l’excitation suscitée par l’ouverture de Come In From An Endless Place, L’Observatoire de l’Europe Culture a rencontré Quarles pour parler d’identité, de technologie et de Minorque.
Pourriez-vous nous parler du concept derrière Come In From An Endless Place et de son titre ? Où est cet « endroit sans fin » ?
Comme beaucoup de mes titres, Come In From An Endless Place est une citation dont je me souviens mal, quelque chose que j’ai réitéré phonétiquement, car je traite souvent de sens et de lisibilité dans mon travail. Le titre aborde également l’idée d’une entrée ou d’un retour continu. Je continue de réfléchir à ces cycles dans mon travail, cycles de beauté et de monotonie, de lutte et de facilité, de confinement qui limite ou de confinement qui soutient.
Le concept du retour est particulier à ce spectacle qui se déroule sur une île, au large d’une autre île, au milieu d’une mer immense. Une composition qui se répète encore et encore dans cette œuvre est ce sentiment de dédoublement, ou de nouage, qui peut être un enchevêtrement ou alternativement un ordre présent au milieu du chaos.
Comment en êtes-vous venue à vous intéresser aux corps en tant que forme ?
Je suis vraiment intéressé par cette idée d’utiliser la figure pour explorer ce que signifie vivre dans un corps genré et racialisé. Mes figures ne représentent pas l’acte de regarder un corps, mais plutôt l’expérience de regarder le monde et de négocier des limites ou des possibilités, en fonction de divers contextes sociaux ou personnels.
Cette limitation d’être vu d’une certaine manière et interprété sur la base d’une image vague est quelque chose que j’ai (et d’autres artistes) exploré depuis longtemps et auquel je cherche à résister. Mon expérience de l’identité est multi-située en expériences simultanées et souvent contradictoires. J’essaie de rendre des figures qui embrassent l’ambiguïté et traduisent parfois un excès d’informations visuelles.
Pourquoi avez-vous décidé d’intégrer le numérique dans le processus de création de votre art ?
Mes compositions sont déterminées au fur et à mesure que je réfléchis à une peinture – c’est en quelque sorte un processus en zigzag. Je peins généralement d’abord les formes gestuelles, en tenant compte des saignements, des coulures et des événements naturels.
À un moment donné, j’interromps le processus et photographie mon travail. Je regarde ensuite l’image dans Adobe Illustrator, où je trace différents plans et motifs, en fonction de ce que j’ai produit, créant ainsi davantage d’éléments architecturaux pouvant interagir avec les figures.
L’intégration de la technologie est pour moi un moyen de passer de l’échelle de mon bras à celle d’un doigt, puisque je crée mes motifs sur un écran d’ordinateur. En même temps, l’échelle numérique est extensible à l’infini, elle offre donc une intervention intéressante dans mon processus.
Mais peindre physiquement et créer des motifs numériques nécessitent tous deux une négociation entre l’intention et l’accident, ou la coïncidence. Tout comme les saignements conduisent à de nouvelles figures dans mes peintures, les problèmes dans Illustrator ouvrent également la voie à de nouvelles idées et avenues.
Beaucoup de vos œuvres incluent du texte, et en particulier des énoncés parlés phonétiquement écrits. Comment pensez-vous qu’un tel texte affecte la façon dont nous regardons ou lisons une œuvre d’art, et comment cela fonctionne-t-il dans un contexte comme Minorque, où de nombreux visiteurs n’ont pas l’anglais comme langue maternelle ?
Mon travail remet en question la façon dont nous sommes formés à lire une image. Le texte, ou le langage, peut également donner lieu à de multiples interprétations.
Au début de ma carrière, j’incluais du texte dans les peintures, mais j’ai trouvé qu’il y avait trop de tentation de m’accrocher à ces phrases comme légendes ou comme une sorte d’explication de l’œuvre.
J’inclus toujours du texte dans mes dessins, où il est davantage intégré aux plans et aux figures, et pas nécessairement lu comme une description. Je réalise également mes dessins à l’encre, un médium conçu à la fois pour le dessin et l’écriture, la matière laisse donc place à l’inclusion du langage.
Le texte que je finis par inclure est souvent quelque chose que j’ai lu, ou entendu, ou un aphorisme avec lequel je finis par jouer et réinterpréter. C’est, en quelque sorte, une traduction, et c’est quelque chose qui relève de la tenue d’une exposition à Minorque, qui, bien qu’en Espagne, est un lieu qui a sa propre langue, oscillant entre l’espagnol et le catalan, selon le contexte.
La fragmentation des corps représentée dans votre travail reflète-t-elle ou s’inspire-t-elle de votre propre expérience, peut-être en termes de votre propre perception de vous-même ou de la façon dont vous avez été perçu ou (mal)représenté par les autres ?
Encore une fois, je viens d’une expérience de vie dans un corps multisitué et souvent mal identifié. Dans mon travail, j’essaie de représenter cette expérience et de défier les interprétations ou catégorisations simples.
Les chiffres contredisent cette idée ; de s’insérer dans une composition, ou de s’insérer dans le cadre, et de rechercher un sentiment d’intégralité malgré la fragmentation, ou les limites d’un plan particulier, ou le bord de la toile.
Y a-t-il des hypothèses ou des croyances que vous souhaitez remettre en question dans votre travail ?
J’essaie de jouer avec les attentes et les processus d’interprétation d’une image face à elle. La raison pour laquelle je m’intéresse tant à l’ambiguïté est qu’elle est en réalité assez spécifique.
Lorsqu’on nous présente davantage d’informations avec lesquelles nous sommes capables de gérer immédiatement, nous devons passer du temps pour commencer à comprendre ce que nous regardons ou avec lequel nous interagissons. Nous avons cette impulsion de comprendre immédiatement les images ou les gens, ce que j’examine dans mon travail.
Idéalement, j’aimerais que le spectateur passe du temps à regarder l’une de mes peintures et qu’il tire ses propres conclusions, grâce à ce processus d’interprétation et de réinterprétation. J’aimerais qu’il y ait un dialogue, quelque chose qui ne se limite pas à regarder rapidement et à avancer.
Comment le contexte a-t-il façonné les œuvres de Come In From An Endless Place ?
La galerie est située dans un endroit si particulier, en pleine nature et au milieu du port. Les œuvres sont installées dans ce bâtiment historique, doté de fenêtres offrant une vue sur le paysage et la mer.
Cette idée d’étendue et de nouage, ou de repliement, est présente dans les compositions de l’exposition. J’espère que cette tension soit lisible, qu’il y ait un effondrement, mais aussi une ouverture par rapport au milieu qui l’entoure.
Venez d’un endroit sans fin est à l’affiche chez Hauser & Wirth Minorque jusqu’au 29 octobre 2023.
